Lumière et arts numériques : Que la lumière soit

Article rédigé par Maxence Grugier en partenariat avec la revue AS
Photo d'illustration : Complex Meshes, Miguel Chevalier - Photo © Nicolas Gaudelet

Source de toute vie, la lumière est aussi source d’inspiration. Élément fondamental de notre développement, biologique et cognitif, elle est non seulement nécessaire à la vie (la nôtre et celle des espèces avec qui nous cohabitons) mais également nécessaire à notre perception. C’est donc naturellement qu’elle est l’instrument de tous les arts visuels. Depuis les fresques pariétales jusqu’aux clairs-obscurs des peintres flamands, dans les vibrations des impressionnistes ou le mouvement des cinétiques, la photographie ou encore le cinéma, la lumière est présente, à la fois médium et média, matière et révélateur. Devenue plus facilement manipulable avec l’avènement de l’électricité et la démocratisation de technologies de pointe, il était inévitable qu’elle devienne le matériau privilégié des artistes œuvrant dans le champ des cultures numériques. Qu’il s’agisse de questions techniques ou philosophiques, de visualisation et de perception, de questions d’ordres esthétiques autant que scientifiques (et même sociétales !) que les arts numériques mettent littéralement en lumière depuis de nombreuses années. Des artistes qui se sont emparé·es de la lumière comme d’une matière de création autant que d’un espace de révélation.

Comment représenter la lumière ?

Renouveler l’usage d’un phénomène aussi banalisé que l’utilisation de la lumière dans la longue histoire des arts relève sans doute du défi. Défi technique, bien sûr, mais également esthétique. Or, la lumière étant avant tout un phénomène physique, pour représenter il faut comprendre et donc expliquer. C’est ce à quoi s’attachent les artistes Flavien Théry et Fred Murie (collectif Spéculaire) dans l’exposition art-science Le rayon extraordinaire présentée jusqu’au 5 mars dernier dans l’espace des Champs Libres à Rennes. Fruit d’une collaboration de deux ans avec le chercheur Julien Fade, dans le cadre d’une résidence art & science au sein de l’Institut Foton (Université de Rennes 1/CNRS), à l’Hôtel Pasteur puis à l’INSA de Rennes, cette exposition s’applique à rendre visible l’invisible de manière sensible grâce à une trentaine d’œuvres qui se concentrent sur un phénomène optique : la polarisation de la lumière. Comme l’expliquent les artistes et le chercheur sur le site des Champs Libres, “le phénomène de polarisation de la lumière est omniprésent dans notre environnement quotidien : dans le bleu du ciel, dans les reflets sur des vitrages ou des surfaces d’eau, dans les ailes de certains papillons ou oiseaux. Il reste pourtant invisible aux humains, contrairement à certains insectes et plusieurs espèces d’animaux comme les seiches”. Avec les outils de création contemporains et avec l’aide des technologies innovantes d’imagerie à champ de lumière développées par la société InterDigital avec qui ils collaborent, Flavien Théry et Fred Murie réussissent à rendre tangibles ces phénomènes visuels paradoxalement indiscernables. Le rayon extraordinaire nous aide ainsi à mieux comprendre de “quoi est faite la lumière”, mais surtout, et de manière plus politique, comment celle-ci nous relie imperceptiblement au vivant : “Dans ce projet [...], la polarisation lumineuse est envisagée comme un révélateur de porosité entre deux aspects du monde : celui de l’espace physique, [...] dans lequel nos corps – et l’ensemble du vivant – évoluent, et celui de l’espace imaginaire, [...] dans lequel nos esprits se meuvent”, expliquent-ils.
 

Fiat Lux

Une autre exposition illustre les différentes facettes de représentation de la lumière chez les artistes numériques. Sur un commissariat de Julien Taïb de Crossed Lab, l’exposition Fiat Lux, présentée jusqu’au 15 avril 2023 au Centre Tignous d’Art Contemporain (Montreuil), proposait de découvrir une dizaine d’artistes qui, toutes et tous, développent leur propre approche du médium lumière.

Julien Taïb : En tant que commissaire, je souhaitais qu’il y ait une déclinaison, ou en tout cas une complémentarité entre la manière d’approcher l’usage de la lumière au sein de différents médiums, dont certains se recoupent, tout en exploitant deux axes qui s’incarnent ici dans une approche technologique, contemplative et esthétique assumée, comme plastique (ou comme “fin en soi”) et des pièces qui posent un regard critique dans son rapport au médium utilisé.

Exposition collective qui rassemble des artistes aussi différent·es qu’Olivier Ratsi, Félicie d'Estienne d'Orves, le Collectif IAKERI (Alice Guerlot-Kourouklis, Jimena Royo-Letelier et Aneymone Wilhelm), Marie-Julie Bourgeois, Joan Giner, Barthélémy Antoine-Lœff, Martin Le Chevallier ou le pionnier François Morellet, Fiat Lux rend hommage aux mouvements expérimentaux de l’art cinétique ou de l’art optique et met en lumière, parfois avec humour (comme avec Luminothérapie de Martin Le Chevallier, un bon pour une séance de luminothérapie fictive adressée à l’Association française des climatosceptiques), la puissance symbolique et la charge esthétique de l’usage de la lumière en art, tout en l’amenant dans le champ des idées (avec MURS INVISIBLES (ou les murs visibles du patriarcat) du Collectif IAKERI, “un contrepoint lumineux et saisissant sur les rapports de domination des hommes sur les femmes, à travers un dispositif collectant des données sur ce sujet”) ou encore Extension du Vide de Marie-Julie Bourgeois, une troublante “extension de notre vision à travers le phénomène de prolifération des caméras de surveillance”.

Manipulation de la perception

S’il est un artiste dont la contribution à l’usage renouvelé de la lumière est évidente, c’est bien Olivier Ratsi, qui présente justement La Chute d’Icare lors de l’exposition Fiat Lux. Qu’il s’agisse de créer une architecture invisible ou de définir de nouvelles perspectives, en bref d’habiller et d’habiter un lieu préexistant, tout son travail tourne autour des usages multiples de la lumière, des questions d’échelle et d’espace, ainsi que de leurs effets sur notre perception. Un sacerdoce qui s’impose comme une évidence lorsque nous expérimentons les effets Doppler perceptifs d’Avancée Immobile, monumentale et déstabilisante installation lumineuse (et sonore) présentée dans le cadre de Chroniques, biennale des imaginaires numériques. “J’envisage la lumière comme un moyen d’investigation de l’espace liée à la perception de notre environnement”, explique l’intéressé. “Je cherche toujours à utiliser la lumière au sein d’un lieu donné : une salle, une place publique. Cela me permet de jouer sur les espaces que j’investis, d’en modifier la perception en les manipulant.” Bien qu’utilisant les outils numériques de modélisation actuellement à disposition (SketchUp, MadMapper, Cinéma 4D), Olivier Ratsi travaille comme un peintre. “Je cite souvent les artistes du Quattrocento qui plaçaient les humains au centre. Or mon travail se préoccupe surtout de la perception du spectateur.” Avec La Chute d’Icare, sculpture de 5 m de haut pour 10 m de large, l’artiste crée le mouvement dans une proposition statique rendant hommage aux pionniers de l’Op Art et s’amuse autour du mythe de la connaissance interdite symbolisée par le malheureux Icare. “Le mouvement est présent mais je ne m’autoriserais pas à créer des structures en mouvement. Mon but est d’arrêter le temps, de travailler le mouvement sans le montrer.”

Matière et révélateur

“La lumière est présente qu’on le veuille ou non. C’est un flux. Je ne la conçois pas comme une matière, mais comme un révélateur de matière”, affirme l’artiste Joan Giner, également présent lors de Fiat Lux avec sa pièce Caustic Ballet. “Elle me permet de donner l’illusion que des matériaux qui ne sont pas lumineux par essence le deviennent.” C’est en effet le cas ici avec cette sculpture mappée à l’échelle humaine et composée de tubes de Plexiglas transparents sur lesquels vient se diffracter la lumière d’un vidéoprojecteur à 360°. En mêlant les techniques originelles du mapping vidéo à celles de la sculpture (et de la création sonore : l’œuvre bénéficiant d’une bande son composée par l’artiste et actuel directeur du Théâtre de l’Hexagone, Jérôme Villeneuve) dans une évocation troublante d’un univers englouti de science-fiction, Joan Giner immerge le public dans son architecture virtuelle et lumineuse. De son côté, le plasticien Barthélémy Antoine-Lœff donne corps à la lumière en usant de changements d’échelle et de manipulations spatiales (nous l’avons vu avec les jeux de spectres lumineux de Ljós, son installation lauréate du Prix Cube 2016). Pour Fiat Lux, il présente Soleil Noir, une supernova enfermée dans un cube, tentative poétique pour capturer la lumière insaisissable d’une étoile mourante. “Lumière, c’est la vie, la transformation. Soleil Noir représente la fin d’une étoile et le début d’un trou noir. J’aime mettre en scène des phénomènes invisibles, climatiques, environnementaux, physiques en m’emparant de la lumière, qui est aussi le symbole de la connaissance”, nous explique l’artiste. Lui aussi, comme son confrère Olivier Ratsi, use de différentes approches quand il s’agit d’utiliser de la lumière dans son travail. “Pour moi, c’est une lumière-matière qui révèle les activités physiques invisibles qui nous environnent. La lumière enrichit notre rapport à la vie, elle éclaire (dans les deux sens du terme) notre rapport au monde. Elle rend perceptible ce qui nous échappe, même quand nous ne captons pas toutes ses manifestations. C’est très mystérieux et poétique.”

Pixel Noir

Source de lumière matricielle de la création numérique, le pixel est à l’échelle de l’infiniment petit ce que le soleil, noir ou pas, est à l’infiniment grand. Miguel Chevalier, qui présente actuellement Digital Beauty, une installation immersive et interactive géante réalisée pour une exposition monographique de l’artiste dans le cadre exceptionnel de l’ARA Art Center de Séoul, manipule ce point élémentaire de l’image numérique (qui en définit la couleur et la luminosité) depuis de longues années. Il est de ces artistes qui donnent vie aux éléments numériques et à leurs technologies d’une façon quasiment organique (c’est le cas par exemple de Fractal Flowers, un jardin virtuel génératif de huit écrans pour huit graines virtuelles qui poussent sur des écrans, mais aussi d’Extra Natural ou de Sur Nature).

Miguel Chevalier : Nous connaissons tous les fractales de Benoît Mandelbrot, mais il y a beaucoup d’autres modèles mathématiques qui sont exploités par les algorithmes et qui sont des sources de création possibles. Ce qui m’intéresse c’est comment ces formes permettent de nombreuses variations grâce aux algorithmes, dans une esthétique qui est vraiment propre au digital.

Pionnier des arts numériques, Miguel Chevalier compose des paysages à base de dispositifs interactifs s’inscrivant naturellement dans notre paysage technologique. “C’est un aspect qui est spécifique au digital. Il n’y a aucune autre forme d’art – ou aucun médium – qui permet une telle interactivité avec la création”, déclare l’artiste dont les œuvres posent des questions philosophiques sur notre avenir en tant qu’espèce dans l’environnement techniciste contemporain tout en s’inscrivant dans la longue histoire de l’art. “Je pense souvent à Seurat qui, à partir de la théorie de Michel-Eugène Chevreul, s’est intéressé au phénomène de diffraction de la lumière qui préfigure le tube cathodique, ou à des artistes comme Mondrian qui, en partant du figuratif, s’est emparé de l’abstraction et qui préfigurait déjà cette notion de pixel, elle-même préfigurée par les mosaïques qui, au fond, devancent un peu la notion d’image digitale”, nous explique-t-il enthousiaste.

Nous le voyons, l’usage de la lumière est inhérent aux pratiques des artistes dits “numériques”. Celui-ci doit aussi beaucoup à la démocratisation des techniques, matérielles et logicielles : tou.te.s les artistes précité.e.s sont d’accord pour affirmer qu’ils bénéficient d’un accès facilité aux technologies actuelles. C’est aussi, de manière plus triviale, grâce à la large distribution de produits (tubes fluorescents puis tubes au néon, lampes au phosphore, LEDs) et de technologies (logiciels, programmation, machinerie, éclairages scénographiques) que ces artistes déterminent aujourd’hui les conditions de possibilité de nos expériences artistiques, tout en bouleversant notre rapport au monde et à l’œuvre. Et c’est ainsi que la longue histoire de l’art se poursuit.